'HISTORIAS DE FILADELFIA' : LA COMEDIA POR EXCELENCIA

'The Philadelphia Story'1940
Director: George Cukor
Reparto: Katherine Hepburn, James Stewart, Cary Grant, Ruth Hussey, John Howard, Roland Young, John Halliday, Mary Nash, Virginia Weidler...

Sin lugar a dudas una de las mejores comedias románticas que he visto nunca. Aunque hoy día, dada la infinidad de películas de este genero que ya tenemos y por supuesto, dado el estilo tan radicalmente opuesto, quizás a muchos esta os parezca una comedia sin mucha vida o aburrida o nada graciosa. No la veáis con esa clase de prejuicios, poneos en la piel de las personas de la época, no olvidemos que la película se rodó en 1940 y los recursos de la época eran muy distintos a los actuales. Personalmente a mi me encanta, es un deleite ver a un trio de actores derrochando talento y acompañados de un elenco de secundarios que encajan con los principales extraodinariamente.

En la Filadelfia de los años 40, Tracy Lord (Katherine Hepburn) es una joven de la alta sociedad que prepara la celebración de segunda boda con el millonario George Kittredge (John Howard). Uno de los principales periódicos de la prensa rosa envía a dos de sus reporteros a realizar un reportaje sobre dicha boda, a la que por supuesto la prensa no esta invitada, pero con ayuda del ex-marido de Tracy, C.K. Dexter (Cary Grant) la pareja de periodistas formada por Macauley Connor (James Stewart) y Elizabeth Imbrie (Ruth Hussey) tendrán la oportunidad de pasar unos días en la mansión Lord.

Aunque el argumento resulte algo simplón, os aseguro que hay mucho que descubrir y es muy interesante ver como en todo momento se ofrece una idea romántica del matrimonio pero nunca se deja de lado un claro referente a un profundo deseo sexual. Los celos, la infidelidad y las inseguridades propias provocadas por la falta de atracciones, de comunicación o simplemente por mera incompatibilidad de caracteres son elementos  que envuelven los pensamientos y actitudes de estos personajes. 

El juego de las falsas apariencias de la alta sociedad se va desmoronando poco a poco en el desarrollo del film, y todo ello debido a insaciable deseo del puro: cotilleo. No pretendo hacer ningún spoiler, ya que para entender lo que digo lo mejor es ver la película y descubrir a qué me refiero.

La cinta muestra lo mejor que George Cukor sabe hacer con este género, dirige a un elenco de actores -como he referido anteriormente- en estado de gracia, y no me canso de repetir que no solo el trio principal. El guión esta cargado de ácidos diálogos, muy punzones en muchos casos y con los que, si no la carcajada, una amplia y siempre saludable sonrisa arranca. No puedo olvidarme que otro responsable de tan magnifica obra es el siempre genial Joseph L. Mankiewic, que sin duda fue un gran aporte técnico a esta producción.

Hepburn domina a su personaje como nadie. De hecho practicamente ella sola se hace protagonista absoluta de toda escena en la que aparece, es imposible perder la atención cuando ella esta en pantalla y disfrutar de su naturalidad artística. Interpreta a un personaje cargado de fuerza, muy pasional y muy cerebral. Una mujer antepuesta a su tiempo. Brillante.

No son menos Grant y Stewart, este último en particular impregna su personaje con una vivida personalidad cargada de sarcasmo y despreocupación ante lo que la historia que se ve obligado a contar. Es magnifico y junto a Hepburn hacen unos de los mejores dúos interpretativos que jamás he visto.

En definitiva una comedia que por supuesto ha servido como base para otros filmes de este genero. Por desgracia dudo que hoy día una comedia romántica pueda contar con un trio de actores que son capaces de hacer que un irónico y ácido guión se transforme una obra clásica del cine llena de vida, con contundentes diálogos salpicados de una fuerza arrolladora para deleite de los espectadores; eso se debe a que sin ningún género de dudas esta es la comedia por excelencia.

'CRIMEN PERFECTO' UN CLÁSICO PERFECTO

‘Dial M for ‘Murder’ 1954

Director: Alfred Hitchcock

Reparto: Ray Milland, Grace Kelly, Robert Cummings, John Williams, Anthony Dawson…

Ufff llevo una larga temporada desconectada del blog, muy mal por mi parte y pido disculpas a los lectores habituales. No puedo prometer escribir más a menudo, pero lo intentaré.

Como llevo tiempo sin escribir, siempre que paso una larga temporada sin hacerlo me gusta volver con un clásico de esos que hay que ver, sí o sí. Y hoy he elegido una de las mejores películas del maestro del suspense, Alfred Hitchcock, ‘Crimen Perfecto’. No se le puede discutir la maestría, ya que nadie como él supo mantener en vilo al espectador con sus producciones. 

Como si de una obra de teatro se tratase (básicamente ese parece el objetivo) la película se desarrolla en un único escenario, ya me diréis si no es de autentico maestro mantenerte durante hora y media atento a la pantalla y prácticamente sin salir de la misma escena. Y lo mejor es que los personajes se integran en este escenario de una manera casi perfecta, no podemos individualizarlos, son un todo, un conjunto, lo colectivo es lo que los hace magníficos, perfectos.

La historia tiene lugar en el Londres de los años 50, Tony Wendice (Ray Millland), un ex tenista profesional planea asesinar a su esposa Margot (Grace Kelly) con intención de heredar una fortuna. De manera fría y calculadora involucrará a un antiguo colega para llevar a cabo tal atrocidad con un minucioso plan para evitar que las sospechas de dicho asesinato recaigan sobre su persona.

Personalmente entiendo la ejecución dramática de esta película como perfecta, o casi, ya que dicen que la perfección no existe. Cierto que no es el film del director, y que tiene otras mucho mejores, por nombrar una ‘Con la muerte en los talones’ es excelente, pero desde luego para mí  es una de mis favoritas por la manera en que se desarrolla la trama. Primero de todo por como hace al espectador participe de la historia. El marido nos cuenta su plan desde el principio, incluso nos da pistas de cómo solucionar posibles contratiempos. Nos ofrece un plan que difícilmente parece que pueda fallar. Muy bien calculado y planteado, solución milimétrica. Pero claro está si el crimen fuera perfecto, ¿dónde estaría el suspense? Pues tranquilos porque llega y de manera sublime, el azar, el siempre terrible azar nos va a ir desmantelando tan sutil y perfecto plan.

No penséis que os desvelo nada, os aseguro que si no la habéis visto os atrapará tanto como me atrapa a mi cada vez que veo la película –y eso que ya casi me sé hasta los diálogos- No os desvelo nada porque los giros narrativos son constantes, el guión es una autentica maravilla, y la puesta en escena en sí superior, porque parece increíble que una película que se desarrolla prácticamente dentro de una minúscula habitación pueda resultar tan dinámica como esta. 

Técnicamente hay que reconocerle muchos puntos, la trama se desarrolla a través de pequeños elementos que prácticamente pasan desapercibidos pero que son piezas importantes en su desarrollo, la colocación y situación de los objetos y los personajes en la escena está perfectamente planificada. Por absurdo que pueda parecer lo que nos ofrece, logra que el espectador se involucre con la historia dándole verosimilitud a algo que resulta tan improbable.

Una fotografía cuidada, luminosa y technicolor, que hace brillar esta oscura historia. Ni que decir tiene que si cuidada es la fotografía, más aún la iluminación, que a su vez también juega un papel importante, convirtiéndose de algún modo en un personaje mudo que completa una escena complicada.

El conjunto actoral por supuesto muy bueno, quizá hoy día resulte algo flojillo, pero no se puede desmerecer el trabajo, muy especialmente de Ray Milland o el de John Williams en el papel del perspicaz detective, sublime.

En conclusión, una de esas películas que me encanta recomendar cuando alguien me pregunta sobre algún clásico. Una película que entretiene, sorprende, te atrapa y con la que siempre terminas de con la satisfacción de haber visto una de las mejores películas de la historia del cine, aunque –al menos a mi me pasa- te da pena que nunca más la podrás ver por primera vez. Supongo que a eso se le puede llamar ‘un clásico perfecto’.

'IRMA LA DULCE' ¡PERO ESA, ES OTRA HISTORIA!

'Irma la douce' 1963

Director: Billy Wilder

Reparto: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Lou Jacobi, Bruce Yarnell, Herschel Bernardi, James Caan, Hope Holiday, Joan Shawlee...

Después de tanta película novedosa, hoy me apetecía hablaros de una de las mejores comedias que visto nunca. Divertida y alocada, propia del maestro Wilder, esta 'Irma la dulce' que tiene como protagonistas a Jack Lemmon y Shirley Maclaine, pareja que repite bajo su mando después de realizar la también desternillante comedia 'El Apartamento'.

La acción nos sitúa en el barrio francés de "Les Halles" donde el inquebrantable e incorruptible gendarme Néstor Patou (Jack Lemmon) es destinado como premio por su trabajo. Allí conocerá a distintos personajes propios del barrio, entre los que se encuentra Irma (Shirley Maclaine) una popular prostituta de la que se enamorará perdidamente. A partir de ese momento la vida de Patou cambiará para siempre cuando deja su trabajo y se enfrenta al "chulo" que extorsiona a Irma; un golpe de suerte lo convierte en el nuevo matón de tan pintoresco barrio. Muy a su pesar, empieza a vivir de la chica, a lo que de alguna manera intenta poner remedio. Ella lo considera su protector y él por amor hará lo que sea.

Comedia romántica. Comedia de enredo. Comedia al fin y al cabo. En ella encontramos un sin fin de recursos propios del gran Wilder, como un argumento simple pero que con el transcurso del tiempo se va desglosando en complejas y aberrantes situaciones que envuelven a los personajes en unas increíbles, pero siempre divertidas y satisfactorias -para el espectador- situaciones. Enredos varios, un malentendido tras otro que parece no encontrar solución, invención de personajes que provocan la necesidad de un disfraz. Personajes de lo más rocambolescos, como es el caso de Moustache, el camarero que fue economista, tocólogo, filósofo y multitud de profesiones que nos va introduciendo en cada aparición suya, dejándonos

para el recuerdo la frase: "pero esa, es otra historia..." Grandioso.

Wilder sabía como ponernos en situaciones tan surrealistas y a veces complejas, pero con la habilidad de un genio para evitar que el espectador se pierda en el laberinto de sucesos que nos presenta. Manteniendonos así alerta de cada segundo, de cada frame que nuestro ojo capta, para que no nos despistemos en tan frenético ritmo narrativo. 

Destacable sin lugar a dudas un fuera de serie para el género cómico como es Jack Lemmon, que interpreta al sacrificado enamorado. Lo pone en multitud de situaciones a las que por momentos parece imposible que su personaje pueda sobrevivir. Personaje que además de ofrecernos momentos extremadamente divertidos, nos roba el corazón con su ternura y amabilidad ilimitada. 

Memorable también es la arrolladora actuación de una sensual Shirley Maclain, destacada por su siempre personal estilo de prendas verdes, y un carácter fuera de común que hace las delicias de los hombres que la "persiguen". Fabulosa y genial una Maclaine que brilla como ninguna en la comedia como ninguna.

No me dejo atrás al magnifico Lou Jacobi, que interpreta al excéntrico Moustache, dueño del bar-residencia. Y que nos deja grandes momentos y maravillosos monólogos que marcan con diferencia a esta gran comedia.

El uso de una fotografía brillante, muy colorida, y muy definida que nos permite vislumbrar los artificios y realidades de este singular y pintoresco barrio y que da, si es que es posible, mayor calidad a una película que ya de por sí brilla por si sola.

La música sigue y encaja a la perfección con el alocado ritmo de esta extravagante comedia. 

Me quedo con una escena que es inolvidable y que marca  el estilo y carácter de este film, la escena del traslado de las chicas en el furgón policial. Mítica.

En definitiva una película que nos hace pasar un rato genial, a la vez que nos pone un seria critica a la incompetencia de aquellos que tienen la autoridad, la ineficacia a veces que muestra la policía. Critica, y casi condena la explotación, la corrupción, el machismo y el exceso de vanidad entre otras muchas cosas que ya lo dejo a los entregados lectores de este blog que apuesto verán la película y sacarán sus propias conclusiones... Pero esa, es otra historia!

'BEN-HUR' PELICULA EPICA EN MUCHOS SENTIDOS

'Ben-Hur' 1959
Director: William Wyler
Reparto: Charlton Heston, Jack Hawkins, Stephen Boyed, Haya Harareet, Hugh Giffith, Martha Scott...

(De nuevo adelanto las disculpas por los errores ortograficos, escribo desde un pc ingles)

Intensa tarde de lluvia la que se nos ha presentado en la, como no, fria y lluviosa Inglaterra. Por suerte hay un maravilloso canal de cine que dedica las tardes a los clasicos. Hoy mismo le toco el turno a mas grande (y cara) de las peliculas epicas: 'Ben-Hur'. Ha sido un placer disfrutar de esta pelicula en version orginal, y lo mejor es esa sensacion que me produce de vuelta a mi infancia: en esos dias de Semana Santa en los que la sobremesa de television española se ocupaba con peliculas de este genero, y que junto a mi familia, nos sentabamos en el sofa momentos antes de prepararnos para las salidas procesionales en Sevilla.

Volviendo a lo realmente interesante -que en este caso, y siempre, es la pelicula- 'Ben Hur' es y sera siempre, la mas grande de las peliculas del genero epico. No solo por ser conocida como la produccion mas cara de la historia, o por ser una de las que ostenta record de galardones. Su realizacion, los momentos de accion, el uso de nuevas tecnicas, e incluso, la historia en si, hacen de esta pelicula un referente para el cine que posteriormente se hace. Se hizo un hueco en la historia del cine y por ello hacen que esta pelicula sea imperecedera, da igual los años que hayan pasado desde su realizacion, verla es un placer unico e indiscutible.

Nos trasladamos a la Judea ocupada por el Imperio Romano. Juda Ben-Hur (Charlton Heston) hijo de una familia noble de Jerusalén, y Mesala (Stephen Boyd), tribuno romano que dirige los ejércitos de ocupación, son dos antiguos amigos, pero un accidente involuntario los convierte en enemigos irreconciliables: Ben-Hur es acusado de atentar contra la vida del nuevo gobernador romano, y Mesala lo encarcela a él y a su familia. Cuando Ben-Hur es trasladado a galeras para cumplir su condena, un hombre llamado Jesús de Nazaret se apiada de él y le da de beber. Una vez a bordo, gracias a su amistosa relación con el comandante de la nave (Jack Hawkins) recupera la libertad. Más tarde, entrará en contacto con un jeque árabe (Hugh Griffith) que participa con sus magníficos caballos en las carreras de carros del circo. (argumento por FilmAffinity)

Multitud de elementos hacen de esta pelicula algo inolvidable. Y cada uno de esos elementos por si solos tambien perduran en la memoria de cualquiera que haya visionado esta superproduccion. Empezado quiza por los actores. Quiza hoy dia resulten interpretaciones altamente sobreactuadas, pero en ello es donde radica la esencia de dichas actuaciones, y por supuesto, donde esta la esencia de algunas de las emociones y mensaje que el film deja leer. No desvelo nada importante del argumento si llamo la atencion sobre el momento en que Ben Hur, ya caido en desgracia es ayudado por el mismisimo Jesus de Nazaret, quien le entrega un jarro con agua al protagonista. Sobrecogedor momento en el que el soldado que escolta a Ben Hur intenta impedir dicho acto de caridad. Petrificado ante el rostro del Divino Salvador, rostro que no vemos pero intuimos y deja bastante claro que la misericordia esta muy por encima de la violencia y la inhumanidad.

Quiza uno de los momentos mas conocidos, y mas espectaculares, sea la Carrera de Cuadrigas. La tension y angustia que despierta esta secuencia no la ha superado ninguna otra pelicula hasta la fecha -al menos bajo mi punto de vista- porque aqui no hay efectos digitales, son los especialistas los que se jugaron, literalmente, la vida para recrear tan formidable y emocionante escena.

Otro de los elemtentos que la convierten en una de mis favoritas es la fidelidad historica, explico. Fidelidad en la recreacion del imperio romano, tanto en vestuario, como peluqueria. Un estudio formidable. Y tambien en la recreacion de espacios, los escenarios tan logrados. pongo como ejemplo la recreacion del circo para mencionada carrera de cuadrigas. A ello hay que sumarle esa mezcla de elementos emocionales, la amistad, el amor, la traicion, la rabia o la esclavitud, que generan en esta pelicula un halo que convierte en leyenda viva del cine.

Todos esos elementos emocionales no podrian verse si no fuera por el excelente trabajo llavado acabo por el reparto principal. Para resumir destaco la fuerza y la rabia de la interpretacion de Charlton Heston. Y la dureza y ambiguedad que Stephen Boyd otorga a su personaje. Insuperables ambos. E interpretaciones que quedan marcadas y reforzadas gracias una sensacional banda sonora firma por Miklos Rozsa, que ademas tuvo la grandiosa idea de componer un tema para cada uno de los personajes. Banda sonora mitica e inolvidable.

Para mi personalmente otro de los aspectos que mas me atraen son el uso de una camara totalmente novedosa, "MGM camara 65" que generaba un efecto de amplitud y grandiosidad de los escenarios tal, que cuando estas viendo la pelicula es como si vieras obras pictoricas en movimiento. A lo que se suma el uso de una fotografia que daba vida al color, y una iluminacion que fortalece la plasticidad de las imagines, se logra que esas escenas se graben en la memoria del espectador para siempre.

No puedo revelaros nada nuevo de la factura de esta maravilla del septimo arte. Creo que muy pocos de los que leais esta entrada no habreis visto la pelicula, y me voy a permitir pensar que nadie me diria que jamas ha visto esta obra de arte. En cualquier caso, si es asi, no voy a perder la occasion de invitaros a que la veais, a que la disfruteis, a que os dejeis invadir por su commovedora historia, porque aunque sea la mil veces repetida en Semana Santa, es una pelicula que toca la sensibilidad, nos habla al corazon y creo que muchos estareis de acuerdo conmigo cuando digo que 'Ben-Hur' es una pelicula epica en muchos sentidos.

'LA GATA SOBRE EL TEJADO DE ZINC' ARTE CLÁSICO, ARTE ETERNO.

'Cat on a Hot Tin Roof' 1958
Director: Richard Brooks
Reparto: Elizabeth Taylor, Paul Newman, Burl Ives, Judith Anderson, Jack Carson, Madeleine Sherwood...

Una de las claves de la obra de Tennesse Williams es que ofrece siempre un aire asfixiante y agobiante tan propio del sur de Estados Unidos, pero precisamente referido al calor propio del clima, si no más bien al provocado por la tradicional y obtusa mentalidad sureña.

'La gata sobre el tejado de zinc' (adaptación de la obra de Williams) es el más claro reflejo de esta sociedad cerrada y tan aferrada a guardar las apariencias, al hacer siempre lo correcto según imponen las normas sociales. Y lo hace a través de unos personajes que viven atormentados por las cadenas de la sociedad.

Para los que penséis que esta no es más que otra película de esas consideradas del cine clásico, os diré que os equivocáis, porque en su argumento hay temas más que actuales. Son temas de los quedan para siempre, temas cotidianos a pesar del paso tiempo. La familia. las falsas apariencias, los intereses personales, adornados con elementos como las mentiras, las frustraciones, las ambiciones, los reconres... No, no estamos ante un clásico que su historia hay que entenderla en la época en la que se hizo, no, la podemos trasladar a nuestro día a día.

 

La historia como ya he dicho se desarrolla en el entorno de acomodada familia sureña, en la que el patriarca, enfermo, se embarca en su trayecto final de vida, lo cual va a desatar tensas relaciones entre los miembros de su familia por la herencia. Uno de sus hijos, Brick (Paul Newman) despreocupado, apático y adicto al alcohol, se posiciona indiferente ante tal situación; su esposa Maggie (Elizabeth Taylor) no está dispuesta a ver como este sucumbe a su autodestrucción. El otro hijo, Cooper (Jack Carson) y su esposa (Madeleine Sherwood) se muestran como una pareja ambiciosa y oportunista.

Esa gata a la que hace referencia el titulo es por supuesto, la inigualable Elizabeth Taylor, que una vez más interpreta su personaje de manera formidable. Esa gata que se revuelve feroz sobre un tejado recalentado por sacar a su marido de su apatía y desprecio por cuanto le rodea, y arrastrado en una vorágine de autodestrucción. Marido interpretado magistralmente por un Paul Newman en estado de gracia (como siempre). La química entre ambos es asombrosa. Las miradas, los diálogos de gran profundidad y en los que saltan chispas en más de una ocasión. Sin lugar a dudas ellos dos se hacen con cada escena que interpretan o en la que aparecen. Brillan con luz propia, muy por encima del resto de actores, que aunque cada uno hace su trabajo como se espera de ellos, ninguno le hace sombra a la pareja.

Tengo que hacer una mención a parte de Burl Ives, que interpreta al Big Daddy (el padre) cuyo personaje resalta muy por encima del resto de secundarios, con un marcado carácter autoritario y soberbio, propio de quién ha estado al frente de toda sus obligaciones y responsabilidades toda su vida. Excelente.

Un poderoso guión que gracias a una fabulosa narración cinematográfica, la atención del espectador no decrece, casi me atrevo a decir que aumenta cada minuto que se acerca al final. Uso de una fotografía muy adecuada para el interior (el film esta rodado en estudio) y una iluminación muy clara que permite disfrutar con nitidez, no solo de las interpretaciones, si no de la sexy pareja protagonista. Los azules ojos de Newman y su brillo hipnotizan, enamoran.

No importa cuantas veces vea esta película, es como cuando miras una escultora que te fascina o una pintura que se apodera de tus sentidos; 'La gata sobre el tejado de zinc' es una obra que no conoce distinción de edades, o épocas, o lugares. El paso del tiempo no le afecta, porque es una obra de arte esencial, eterna.

'NIÁGARA' MARILYN TORRENTE INTERPRETATIVO

 

'Niágara' 1953
Director: Henry Hathaway
Reparto: Marilyn Monroe, Joseph Cotten, Jean Peters, Max Shawalter, Denis O'Dea, Richard Allan, Don Wilson, Lurene Tuttle...

Las cataratas más impresionantes y famosas del mundo pierden todo protagonismo en cuanto la mítica rubia hace su aparición, Marilyn Monroe es la estrella indiscutible de este correcto film. Para los que asocien a Marilyn con la comedia romántica y facilona, y que aún no hayan visto esta película, olviden esa idea y prepárense para ver y disfrutar de una talentosa interprete dramática. Y es que Marilyn, a pesar de que para todos haya pasado a la historia por su belleza, por su vida privada, e incluso por su misteriosa muerte, aquí veréis a la verdadera actriz, a la del talento.

La acción tiene lugar en las cataratas del Niágara y sus alrededores. Dos parejas se encuentran allí disfrutando de unos días de verano en un complejo hotelero situado frente a las cataratas. Los enamorados jóvenes que quieren disfrutar sus días juntos Polly (Jean Peters) y Ray Catler (Max Showalter). Y una atormentada y casi deshecha pareja, debido a los celos del marido, Rose (Marilyn Monroe) y George Loomis (Joseph Cotten). Rose es un derroche de sensualidad, seducción y elegancia. Con amplia carga de erotismo y carnalidad. Cosa que provoca unos enfermizos celos en su marido, que es arrogante, inestable, severo. Como contra punto los Catler encarnan la seriedad y la formalidad. Además de la bondad y la ingenuidad.
El tema es que George tiene poderosas y certeras razones para estar celoso. Su esposa le es infiel, con un hombre más joven. La historia se complicará cuando ella planee deshacerse de su marido. Este es la trama principal del film, que busca mantener al espectador bien atento a lo que acontezca y dónde Marilyn hace gala de sus mejores dotes interpretativas, y también de la sensualidad y erotismo que la hicieron tan famosa.

Durante todo el metraje se ponen de manifiesto ciertos contraste que dan más vida a la trama, dos jóvenes bellas y muy femeninas, pero cada una lo muestra a su manera. Contrastes más llamativos en los caracteres, una generosa y atenta; mientras que la otra es una especie de volcán a punto a de estallar. Contrastan también los maridos, uno es víctima de un sin fin de fracasos, tanto en lo profesional como en lo personal. Y el otro parece ser un triunfador nato. El contraste en conjunto es obvio, unos representan la felicidad, mientras que los Loomis son la imagen de la infelicidad y la disputa.

Otro de los elementos más destacables de este film son sin duda las cataratas y el hecho de gran parte de lo que vemos de esas cataratas son imagenes proyectadas en el estudio en el que se filmó la película, una imantación muy bien lograda para la época -cosa que muchos deberían tener en cuenta a la hora de hacer "criticas"-  Cuenta esta cinta con una excelente fotografía, que gracias a una iluminación correcta, sombras en alto contraste que otorgan una plasticidad, inquietud y un carácter dramático que se acentúa en los momentos en que la tensión aumenta.

Hay una escena en particular que me encanta, precisamente por esa iluminación de la que os hablo y esa plasticidad artística que otorga tanto la iluminación como el encuadre y el plano picado sensacional. Es una escena tocando final, en la que Marilyn lleva ese vestido negro de cuellos blancos, que se reconoce de la foto que Andy Warhol tomara como modelo para su serie serigrafica sobre la actriz. La escena tiene lugar en un espacio cerrado en el que entra la luz a través de unas rejas... No os cuento más porque no quiero revelar nada a quien no la haya visto, pero sabréis a cual me refiero si la veis.
Destaco también ese ambiente que crea la bruma de las torrenciales aguas del Niágara, lo cual refuerza el aspecto visual de toda la recreación del film.

El guión muy acertado, porque lo que comienza aparentemente como una película de denso romanticismo va evolucionando a un emocionante suspense y hasta cierto momento con toques de cine de espionaje. Un cierto aire Hichcockiriano tal vez.

Excelente también la banda sonora, con partitura compuesta por Sol Kaplan y con la que contribuye a dar ese ambiente inquietante, dramático. No falta una interpretación vocal por parte de Marilyn con la canción "Kiss", soberbia y sensual como solo ella sabe serlo.

Podria pasarme horas hablando de este film -pero lo dejo aquí- porque como creo que  ya dije en mi post de bienvenida, y si no lo dije, lo hago ahora. Soy una admiradora acerrima de Marilyn, y esta película, me fascina sobremanera por su potencial y torrente interpretativo.

'EL GOLPE' DE UN GUIÓN CON FUERZA Y ORIGINALIDAD

'The Sting' 1973
Director: George Roy Hill
Reparto: Paul Newman, Robert Redford, Robert Shaw, Charles Durning,  Ray Walston, Eileen Brennan...

Después de unos días de silencio, tenia que volver a lo grande, y lo hago con un clásico que ademas es una genialidad que me encanta, 'El Golpe'. Película que es puro entretenimiento y espectáculo  que tiene una factura excelente. Además de unas interpretaciones soberbias y una banda sonora de las que marcan época.

En alguna ocasión he leído por ahí que lo mejor de este film es el final, y que como toda película comercial, hace solo lo que tiene que hacer, entretener... Bueno, esta claro que entretener entretiene, pero eso no significa que no sea una obra maestra, muy bien realizada y que satisface de principio a fin. Porque, no solo el final es bueno, es mejor que bueno; pero como lo es el resto de la película. Un guión de mucha fuerza, que tiene un apoteosico final.

-Una de las cosas que siempre me llama la atención es que algunos se sorprendan cuando el calificado "cine comercial" ofrece un peliculón como este. Se supone que el cine en gran parte se creo como un producto comercial... Como sea, eso es otra historia que tal vez comente en otro momento.-

Siguiendo con este maravilloso clásico; nos trasporta al Chicago de los años 30, Hooker (Robert Redford) y Gondorff (Paul Newman) son dos timadores que buscan vengar la muerte de un respetado y querido amigo, asesinado por orden de un poderoso gangster, Doyle Lonnegan (Robert Shaw); para ello llevan a cabo un en enrevesado plan.

Muchos son los aspectos que destacan de este film, y de hecho ya he mencionado varios, pero la originalidad de su guión y su fuerza es para mi lo más destacable. Original no solo por la historia, si no por la manera en la que se presenta, contado a modo de actos. Con diversas cartelas que presentan y diferencian cada uno de estos actos. La presentación de los personajes, y una magnificas interpretaciones por parte de los actores; en especial de Redford y Newman, cuyos personajes tienen una versatilidad extraordinaria. Soberbio Newman, sobre todo por su carácter más irónico y descarado. Y genial Robert Shaw, que hace más que creíble su papel de malo. Destaca también el elenco de secundarios, sobresalientes todos en cada uno de sus personajes. Siguiendo al hilo del guión, tengo que destacar los diálogos  brillantes, ingeniosos y con mucha gracia en muchos momentos.

Escenarios perfectamente bien elaborados y ambientados gracias un espectacular trabajo de dirección artística . A lo que se suma un diseño de vestuario que es una joya y que dicho sea de paso, le valió ganar un premio oscar en esta categoría.

Todo ello envuelto en una de las mejores y más recordadas bandas sonoras de la historia del cine, que a pesar del anacronismo que resulta ver el Chicago de los '30, con la música Ragtime de Scott Joplin de 20 años antes y retocada hábilmente por Marvin Hamlisch, resulta una delicia y un placer disfrutar de estas notas que se encadenan a la acción cinematográfica a la perfección. Una joya.

Y una joya en general es esta película, cuyo trio protagonista hace un trabajo soberbio, califico como duelo de titanes en la cumbre interpretativa, magistrales.  A los que no hayáis visto esta película os la recomiendo, mucho más incluso que alguna de las que ya os he hablado. Os garantizo un buen rato, de risas y tensión -porque tensión no falta- que mantiene al espectador pegado a la pantalla, inmóvil, atento y expectante.

 

'UNA HISTORIA DEL BRONX' UNA HISTORIA IMPRESCINDIBLE

'A Bronx Tale' 1993
Director: Robert De Niro
Guión: Chazz Palminteri
Reparto: Robert De Niro, Chazz Palminteri, Lillo Brancato, Francis Capra...

Cuando ves este peliculón excelente, y te dicen que fue el debut de Robert De Niro como director piensas: "no puede ser, ¡si parece que lleva toda la vida dirigiendo!". Una película sobre la mafia basada en una historia autobiográfica del propio Chazz Palminteri, De Niro dirige esta maravilla que en apariencia simple ira haciéndose más compleja a lo largo del metraje.

Años 60. El barrio neoyorkino del Bronx está controlado por un mafioso, Sonny (Chazz Palminteri) en el vive Calogero, un niño que presencia el tiroteo que unirá su vida a la de Sonny. La amistad entre el pequeño y el mafioso no es aprobada por el padre del crio, Lorenzo (Robert De Niro) un honrado conductor de autobús, empeñado en que su hijo se convierta en un hombre honesto y sobre todo honrado. Su principal preocupación es el bienestar de su hijo, su buena educación y que no malgaste su talento entre mafiosos. Pero Calogero crecerá debatiéndose entre el dilema que le plantea la protección de ambos hombres, la natural honradez de su padre o la facilidad económica que el fascinante Sonny le propone. Pronto Calogero se verá obligado a tomar una decisión.

La dirección por parte de De Niro, como ya he dicho antes es una maravilla, magistral. Planos sensacionales, geniales movimientos de cámara y ángulos perfectos. Secuencias perfectamente engranadas. Se puede hasta observar la influencia del maestro Scorsese. Una fotografía muy correcta y cuidada. Un ritmo narrativo ágil que no decae en ningún momento y un guión con diálogos brillantes, que toca temas como la familia, la pobreza, el crimen organizado, el amor e incluso el racismo. Planteando multitud de reflexiones y conclusiones de los personajes.

En el plano interpretativo, como siempre Robert De Niro sublime, su papel de honrado padre que trata de guiar a su hijo por el buen camino. No se queda corto, ni mucho menos, Chazz Palminteri, que en su papel del mafioso Sonny lo borda. Junto a dos pesos pesados como estos, los dos encargados de dar vida a Calogero, Lillo Brancato (Calogero 17 años) y Francis Capra (Calogero 9 años) lo tenían muy difícil, pero ambos hacen un trabajo excepcional, destacando Capra sobre el que cae la mayor parte de responsabilidad del personaje. Grandes todos.

Un apartado especial merece la banda sonora, con éxitos de los años 50 y 60, de esos que no pasan nunca de moda y que encajan a la perfección con la narración de la historia. Es más, creo que en algunos casos, esta película no sería la genialidad que es si no se hubieran empleado las canciones que se usan. Música y escena se convierten en el matrimonio perfecto.

Una realización magistral de la historia de un padre honesto que lucha por dar la mejor educación posible a su hijo. La historia de un hijo que coquetea con el dudoso y fácil modo de conseguir éxito y dinero que le muestra su admirado mafioso. La historia de unos talentos malgastados que tratan de sobrevivir en una zona humilde y casi marginal, cada uno a su manera.

En resumen, lo que esta 'historia del Bronx' muestra es lo que yo considero una historia imprescindible para todo aquel que disfruta del buen cine.

'EVA AL DESNUDO' TODO SOBRE LA AMBICIÓN

All about Eve 1950
Director: Joshep L. Mankiewicz
Reparto: Bette Davis, Anne Baxter, George Sanders, Celeste Holm, Gary Merrill, Hugh Marlow, Barbara Bates...

Ostenta el histórico record de ser la película con mayor número de nominaciones a los oscar, tantos como 14, aunque sólo consiguió llevarse 6, esto no significa que no sea la excelente película que es.

Margo Channing (Bette Davis) es una actriz de teatro que a sus 40 años está en la cumbre del éxito. Una noche, tras una representación la Eva Harrington (Anne Baxter) es la fiel admiradora que espera en el callejón para ver salir a su adorada Margo. Karen Lloyd (Celeste Holm) esposa del autor de la obra y amiga personal de Margo, la invita a pasar a conocer a su ídolo. Una vez en el camerino Eva comienza a contar su historia, su pasado y como ha llegado hasta allí. Conmovida por el pasado de la joven Margo integrará a Eva en su circulo, como secretaria personal.
Todos caen rendidos ante la dulzura y la aparente inocencia de Eva, aunque será Addison Dewitt (George Sanders) quien poco a poco irá descubriendo desnudando la verdad sobre Eva.

Una historia sobre la ambición de joven actriz que no duda en pisar cabezas en su descabellada escalada al éxito. Narrada de manera formidable, no muestra la dramática evolución de esta "inocente" Eva hacia una historia cargada de intriga y mentiras.

A este bien construido guión no le podía faltar una dirección que se puede considerar de "master class" cinematográfico. primero planos que captan hasta el más mínimo detalle de las expresiones, reacciones, emociones y psicologías de los personajes. Aumente el efecto dramático con unos contrapicados que generan un aire de superioridad muy palpable.
Una esplendida fotografía que detalla y define a los personajes a la perfección incluso, cuando no dicen nada. Lo cuál me lleva a decir, que la sola presencia de algunos actores, sus interpretaciones calladas son de lo más elocuentes. Y es que si algo destaca de esta película son las interpretaciones. Diálogos brillantes, ingeniosos, que hacen que los actores se paseen por la felicidad, la tristeza, el cinismo, la hipocresía, las sospechas o el miedo.

Aunque todos y cada uno de ellos estás brillantes, destaca la siempre genial Bette Davis, se apodera de todas las escenas, con su poderosa y amplia mirada. Anne Baxter le va a la saga, y borda su papel, haciendo unos cambios emocionales excelentes (y propios de la vieja escuela hollywoodiense) magnifica. Destacable también es George Sanders, como Addison, el critico malicioso. Ausencia total de sentimientos y agudo manipulador.

Una genialidad del gran Mankiewicz que nos mete de lleno en el mundo del teatro, la divinidad y egocentrismo de las grandes estrellas. Y la ambición desmedida de las que buscar serlo.
Una gran historia que devolvió a Bette Devis a la primera linea de juego y, en la que podemos ver a una todavía desconocida Marilyn Monroe.

'12 HOMBRES SIN PIEDAD' LECCIÓN DE VIDA

Twelve angry men 1957
Director: Sydney Lumit
Reparto: Henry Fonda, Lee J. Cobb, E.G. Marshall Jack Warden, Ed Begley, Marin Balsam, John Fiedler, Robert Webber, Jack Klugman, Edward Binns, Joseph Sweeney, George Voskovec... 

Muchas son las películas que habréis visto en las que un juicio es el escenario principal de la película, pero muy pocas películas hay que hayan reflejado la intensidad de un juicio, y desde el punto de vista de el jurado, como lo hace esta obra maestra de Sydney Lumet.

'12 hombres sin piedad' es un drama judicial que trata la deliberación de un caso que a priori parece de fácil resolución -un joven socialmente marginado que ha matado a su padre- pero a pesar de que todos los creen culpable, un único jurado plantea la posibilidad de una duda razonable; con su argumentos, el jurado numero 8 pedirá al resto de compañeros que analicen todo bien antes de dictaminar un veredicto.

Prácticamente la totalidad de la acción se desarrolla en el interior de la 

sala del jurado. La tensión y la sensación de claustrofobia para el espectador aumenta al mismo ritmo que para los personajes. Lumit hace un juego perfecto con movimientos de cámara que se acercan al personaje y los cambios de lente, acompañado esto con una fotografía de una calidad excelente, ofreciendo unos intensos primeros planos que provocan esas sensaciones que nos ayudan a entender e identificar la psicologías de los personajes. Con estos trucos de cámara y según va avanzando la votación, vamos descubriendo a los que verdaderamente están preocupados por el caso, y por la responsabilidad que sobre ellos ha caído  Y a los que parece importarles poco todo el suceso.

Henry Fonda encabeza este reparto, en el que para mí es la mejor de sus interpretaciones. La intensidad, la claridad con la que plantea sus argumentos y la seguridad de su personaje te mantienen atento y concentrado en todo momento. Magnifico. Pero no solo Fonda, Ed Begley destaca también en su papel de intolerante y racista. Un frío y muy analítico E.G. Marshall o el amargado personaje interpretado magistralmente por Lee J. Cobb. Y bueno, radiante el pasotismo exasperante de Robert Webber.

Estos doce hombres, representan de algún modo al ser humano en general. Los distintos tipos de psicologías, caracteres, personalidades que nos podemos encontrar día a día en cualquier faceta de la vida. De hecho, los personajes no se dirigen entres ellos por el nombre, si no que emplean el numero que se les ha asignado como jurado o por sus profesiones; gente normal llamada a cumplir una obligación; gente normal con la que el espectador se puede identificar sin ningún problema.

Y es que de alguna manera, esta película lo que viene a reflejar son los comportamientos y actitudes de la sociedad, y como a veces sin quererlo o sin pretenderlo, acabamos dejándonos llevar por una serie de prejuicios que el entorno, o las situaciones nos plantean; de ahí la importancia de escuchar a la razón.

Os aconsejo que si aún no habéis visto esta obra maestra os propongáis verla, porque os garantizo que no solo acabaréis con la sensación de haber visto buen cine, si no que además sacaréis en claro que habéis presenciado una verdadera lección de vida.

'GILDA' NUNCA HUBO UNA MUJER COMO ELLA

Gilda 1946
Director: George Cukor
Reparto: Rita Hayworth, Glenn Ford, George Macready, Steven Geray, Joseph Calleia

Dejando atrás espectáculos innecesarios que poco tienen que ver con el cine, hoy tengo que recomendaros la que para mi es: "la película". Los que me conocen bien saben que mi actriz favorita es y será siempre la mítica Marilyn Monroe, pero si tengo que elegir mi película favorita numero uno es 'Gilda'. 

La vi siendo muy pequeña y me impactó, me atrapó y a lo largo de mi vida, me influyó. Porque Gilda representa a esa mujer que no se resigna, que no se abandona, ni se rinde ante nada. Que lucha con fuerza, rabia, seducción, provocación e incluso llega al escándalo  para no someterse a la voluntad del hombre que la ha herido y que se cree su dueño. Esa lucha constante entre Gilda y Johnny es la base de este relato. Momentos claves de este hecho son, el famoso "striptease" en el que ella baila y se quita los guantes de manera tan sensual, para terminar arrancándose el collar en un acto de soberbia y rabia. O ese otro momento, que para mí fue clave, una frase en la que reivindica y manifiesta su libertad como mujer, diciendo aquello de "Si yo fuera un rancho, me llamarían Tierra de Nadie". El espectador se estremece ante esta frase, porque no es una afirmación como tal, sino una provocación en toda regla, a ese hombre que pretende someterla.

Esta obra maestra del cine negro desarrolla su historia en el Buenos Aires de 1946, y nos presenta una ambigua relación entre tres personas. John Farrell (Glenn Ford) es un aventurero que "hace su propia suerte". El juego le lleva a conocer a Ballin Mundson (George Macready) quién es el propietario de un casino y que lleva otros negocios de los que hará participe a Johnny. Mundson está casado con una enigmática y atractiva mujer, Gilda (Rita Hayworth) que, casualidades del destino, fue la amante de Johnny en el pasado. A partir de la llegada de Gilda, la relación entre Ballin y Johnny se ve alterada, por el inesperado y tempestuoso reencuentro entre los viejos amantes.

'Gilda' es el tipo de película que a todo cinéfilo fascina, no solo por sus personajes o por el argumento, es un todo, una serie de elementos perfectamente hilados que van precisamente desde el argumento, los personajes, la escenografía, la iluminación, todo el contenido visual; la fotografía que da esos esenciales elementos de cine negro, con luces y sombras muy contrastados para enfatizar los aspectos más dramáticos. Los diálogos que se graban a fuego, incluso la violencia (famoso y espectacular guantazo que Johnny le arrea a Gilda) y por supuesto, la música: memorables los dos momentos en que Gilda canta 'Put the blame on me' (una con una guitarra acústica y la otra durante el striptease) o el 'Amado Mio'.

No importa el tiempo que haya pasado, este film jamás perderá su esencia, su encanto. A decir verdad, parece que como el buen vino, gana calidad con el paso del tiempo. Una recreación de una relación de amor-odio, a la que se suma la intriga propia del mencionado cine negro.
No se cuantas veces he podido ver esta película, la verdad es que hace mucho que perdí la cuenta, pero no me cansa, al contrario, cada vez me fascina e impresiona, tanto o más que la primera vez que la vi. Su provocación, su fatalidad, su tristeza, su fuerza, todo ello hace que sea una poderosa e hipnótica obra maestra. Y es que "nunca hubo una película como esta"

'ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO' LA PELICULA QUE NO DEBE FALTAR EN NINGUNA FILMOTECA

One Flew Over the Cuckoo's Nest 1975
Director: Milos Forman
Reparto: Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Redfield, Will Sampson, Christopher Lloyd, Danny DeVitto

Antes de nada tengo que decir que esta es la película que todo cinéfilo debe ver y si no, os aliento a que la veáis haciendo mio aquello de"¡corred insensatos!".

Esta genialidad realizada por Milos Forman y que gracias a que contó no solo con un actor como Jack Nicholson que con su soberbia actuación eleva este film a la categoría de "obra maestra"; pero no se queda eso, el elenco de secundarios -que ya nos gustaría hoy día que ver alguna película con tremendo elenco- convierte a esta película en un capitulo importante de la historia del cine. No me extraña que se llevara los galardones más importantes que se entregan en Estados Unidos en 1975: 5 Globos de Oro y 5 Oscars: mejor película, mejor director, mejor guión, mejor actor (Nicholson) y mejor actriz (Fletcher). Además de un BAFTA a mejor película.

El argumento se desarrolla en el interior de psiquiatrico, donde Randle McMurphy(Jack Nicholson), un joven indisciplinado que vive a contracorriente, es recluido. Comienza aquí una profunda angustia y sensación claustrofóbica que experimentan los residentes de dicho lugar. Controlados por la severa y fría enfermera Ratched -interpretada magistralmente por Louise Fletcher- imponiendo una firme disciplina que intensifica la rebeldía de Randle y que contagiará al resto de pacientes, provocando una guerra entre estos y el personal encargado del pabellón. La suerte de estos pacientes se pone en juego...

Y menudo juego peligroso que se desata. La frialdad y desde mi punto de vista, brutalidad vengativa que despierta la rebeldía de Murphy en los de "las batas blancas", me llevan a pensar que lo que Forman pretende poner de manifiesto es: lo cruel que el ser humano puede llegar a ser cuando, sabiéndose con algo de poder lo usa para imponerse sobre aquellos a los que considera más débiles, haciéndolo a través de un sufrimiento físico y mental, sencillamente porque aunque sea poseedor de ese grado de poder, es infeliz, y no soporta ver como aquellos que considera inferiores son felices con muy poco. También se pone de manifiesto -o más bien denuncia- una cruenta realidad de aquella época en el mundo de la medicina como era el tratamiento por electroshock y que tal y como está retratado en esta película, provocó en su momento el rechazo total de estas practicas en este tipo de centros.

Para terminar, advertiros a los que no hayáis visto la película, y a los que sí también: observad el juego de primeros planos, sostenidos ampliamente en largos segundos que intensifican la tensión dramática; esos ojos malignos y las miradas de la enfermera Ratched que os aseguro provocan escalofríos. Un guión adaptado de una novela de manera magistral, y unas interpretaciones que sientan cátedra en el mundo del arte dramático... ¿Qué más se puede pedir? Que no nos falte esta película en la filmoteca.

'¿QUIÉN TEME A VIRGINIA WOOLF?': DISCUSIONES DE FICCIÓN O ¿REALIDAD?

Who's afraid of Virginia Woolf 1966
Director: Mike Nichols
Reparto: Elizabeth Taylor, Richard Burton, Sandy Dennis, George Segal.

Cómo ya os habreís dado cuenta soy una apasionada del cine clásico, y hoy quiero recomendaros una de esas peliculas que está entre lo clásico y lo moderno -por decirlo de alguna manera- ya que el cine clásico representa algunos elementos o aspectos cinematográficos tradicionales que esta película deja atrás; pero vamos a comenzar por el principio.

La película encumbró a su director Mike Nichols, que no solo dirigió esta adaptación de la obra de teatro de Edward Albee. Además otro dato interesante es que esta fue, hasta entonces, la unica pelicula nominada en todas las categorias que podia participar para los oscars, ganando 5 de ellos, entre ellos, mejor actriz para una magnifica Elizabeth Taylor.
La pelicula nos introduce en la vida de un matrimonio que se tienen un odio desmedido; Martha (Elizabeth Taylor) es una frustrada y dominante ama de casa, casada con George (Richard Burton) un profesor universitario y alcoholico. Una noche de sabado deciden invitar a casa un profesor recien llegado a la universidad y a su esposa. La velada transcurrirá en un aluvión de insultos, humillaciones, y amenazas llevadas casi al extremo y de la que la pareja invitada es inevitable testigo de un cruel juego de auto destrucción.

Sin duda, en la época debió sorprender a muchos ver a una "Liz" Taylor desagradable, grosera y en momentos violenta; aunque supongo que tras ver la magistral actuación de la de los ojos violeta, todo el mundo estaría -como lo estamos todos hoy dia- de acuerdo en que merecio la pena sacrificar la belleza extrema por tal magnifica interpretación. Interpretación que me lleva a lo que decía al principio sobre que esta película introduce una naturalidad en sus protagonistas que hasta entonces, rara vez -por no decir nunca- se había visto en la gran pantalla.

Si el papel interpretado por Liz Taylor lo podemos calificar de magistral, no es menos el de su marido Richard Burton, que soporta estoico los embites de su esposa en pantalla. Lo impactante de sus interpretaciones, lo impresionantes que llegan a ser en todo momento ambos, hace que los actores secundarios, siendo grandes actores también, queden relegados a ser meras victimas de la situación provocada por los protagonistas.

No es de extrañar que todos ellos consiguieran nominaciones a los oscars, lástima que Burton que no fuera recompensado con el galardon porque realmente lo merecía. Taylor por contra conseguiría el que era su segundo oscar a mejor actriz, en este caso no darselo habria sido una gran injusticia por parte de la Academia. Sandy Dannis también logro su recompensa, no así George Segal, pero la nominación ya fue bastante premio.

En cuanto a los aspectos técnicos, los altos contrastes del blanco y negro, acentuados por geniales planos cenitales, y aún mejores psicológicos primeros planos, que potencian la dramática tensión de la interpretación de los actores.
Merece mencionar que a todo esto se une una gran banda sonora  compuesta por Alex North que ayuda aún más si cabe a enfatizar las psicologias de los personajes en todo momento.

'¿Quién teme a Virginia Woolf?' es una genial adaptación de una obra teatral que todo amante del buen cine debe ver, y sobre todo para el público general, es una puerta abierta a la reflexión sobre las relaciones humanas.