'HISTORIAS DE FILADELFIA' : LA COMEDIA POR EXCELENCIA

'The Philadelphia Story'1940
Director: George Cukor
Reparto: Katherine Hepburn, James Stewart, Cary Grant, Ruth Hussey, John Howard, Roland Young, John Halliday, Mary Nash, Virginia Weidler...

Sin lugar a dudas una de las mejores comedias románticas que he visto nunca. Aunque hoy día, dada la infinidad de películas de este genero que ya tenemos y por supuesto, dado el estilo tan radicalmente opuesto, quizás a muchos esta os parezca una comedia sin mucha vida o aburrida o nada graciosa. No la veáis con esa clase de prejuicios, poneos en la piel de las personas de la época, no olvidemos que la película se rodó en 1940 y los recursos de la época eran muy distintos a los actuales. Personalmente a mi me encanta, es un deleite ver a un trio de actores derrochando talento y acompañados de un elenco de secundarios que encajan con los principales extraodinariamente.

En la Filadelfia de los años 40, Tracy Lord (Katherine Hepburn) es una joven de la alta sociedad que prepara la celebración de segunda boda con el millonario George Kittredge (John Howard). Uno de los principales periódicos de la prensa rosa envía a dos de sus reporteros a realizar un reportaje sobre dicha boda, a la que por supuesto la prensa no esta invitada, pero con ayuda del ex-marido de Tracy, C.K. Dexter (Cary Grant) la pareja de periodistas formada por Macauley Connor (James Stewart) y Elizabeth Imbrie (Ruth Hussey) tendrán la oportunidad de pasar unos días en la mansión Lord.

Aunque el argumento resulte algo simplón, os aseguro que hay mucho que descubrir y es muy interesante ver como en todo momento se ofrece una idea romántica del matrimonio pero nunca se deja de lado un claro referente a un profundo deseo sexual. Los celos, la infidelidad y las inseguridades propias provocadas por la falta de atracciones, de comunicación o simplemente por mera incompatibilidad de caracteres son elementos  que envuelven los pensamientos y actitudes de estos personajes. 

El juego de las falsas apariencias de la alta sociedad se va desmoronando poco a poco en el desarrollo del film, y todo ello debido a insaciable deseo del puro: cotilleo. No pretendo hacer ningún spoiler, ya que para entender lo que digo lo mejor es ver la película y descubrir a qué me refiero.

La cinta muestra lo mejor que George Cukor sabe hacer con este género, dirige a un elenco de actores -como he referido anteriormente- en estado de gracia, y no me canso de repetir que no solo el trio principal. El guión esta cargado de ácidos diálogos, muy punzones en muchos casos y con los que, si no la carcajada, una amplia y siempre saludable sonrisa arranca. No puedo olvidarme que otro responsable de tan magnifica obra es el siempre genial Joseph L. Mankiewic, que sin duda fue un gran aporte técnico a esta producción.

Hepburn domina a su personaje como nadie. De hecho practicamente ella sola se hace protagonista absoluta de toda escena en la que aparece, es imposible perder la atención cuando ella esta en pantalla y disfrutar de su naturalidad artística. Interpreta a un personaje cargado de fuerza, muy pasional y muy cerebral. Una mujer antepuesta a su tiempo. Brillante.

No son menos Grant y Stewart, este último en particular impregna su personaje con una vivida personalidad cargada de sarcasmo y despreocupación ante lo que la historia que se ve obligado a contar. Es magnifico y junto a Hepburn hacen unos de los mejores dúos interpretativos que jamás he visto.

En definitiva una comedia que por supuesto ha servido como base para otros filmes de este genero. Por desgracia dudo que hoy día una comedia romántica pueda contar con un trio de actores que son capaces de hacer que un irónico y ácido guión se transforme una obra clásica del cine llena de vida, con contundentes diálogos salpicados de una fuerza arrolladora para deleite de los espectadores; eso se debe a que sin ningún género de dudas esta es la comedia por excelencia.

'AMERICAN HISTORY X' EL ODIO Y SU SIN RAZON

'American History X' 1998
Director: Tony Kaye
Reparto: Edward Norton, Edward Furlog, Fairuza Balk, Stacy Keach, Elliot Gould, Avery Brooks, Beverly D'Angelo, Jennifer Lien, Guy Torry, Ethan Suplee...

Supongo que si lanzo la pregunta al azar de quién no ha visto esta película, pocos levantarán la mano. Y es que esta es una de esas películas que todo el mundo ha visto, y que todo el mundo alaba.

A pesar de sus momento duros -alguno incluso de los de cerrar los ojos o apartar la vista de la pantalla- a todo aquel que ha sido testigo de su narración le ha llegado este film al alma.

Nos ha abierto los ojos a muchas cosas, y nos ha hecho reflexionar sobre otras muchas.

Derek (Edward Norton), un joven "skinhead" californiano de ideología neonazi, fue encarcelado por asesinar friamente a joven negro que pretendía robarle su furgoneta. Cuando sele de prisión y regresa a su barrio dispuesto a alejarse del mundo de la violencia, se encuentra con que su hermano pequeño (Edward Furlong), para quien Derek es el modelo a seguir, está siguiendo el mismo camino que a él lo condujo a la cárcel.

El mensaje antirracista queda más que claro solo con el argumento. Pero lo más importante es como se desarrolla ese mensaje a lo largo de los 119 minutos de metraje -que dicho sea de paso se hacen cortos- De que manera el director nos pone en situación para que vayamos lentamente descubriendo los elementos que llevan a Derek a convertirse un ser tan repugnante y como evoluciona su pensamiento tras el crimen cometido. Contarnos la historia con flashbacks es un recurso hábil, pero hacerlo de manera que no confundas pasado con presente, era tarea difícil, pero Tony Kaye lo resuelve de manera magistral usando una fotografía en blanco y negro para dichos flashbacks. 

El blanco y negro y la soberbia interpretación de Edward Norton, hacen que esas escenas cobren una vida y dramatismo, a la vez que una dureza fuera de lo común. La transformación del personaje de Norton es uno de los elementos que hacen de esta película algo que se debe ver. 

Tengo que profundizar más en la actuación de Norton, porque para mi es lo más impactante de este film. La brutalidad y crueldad de algunas escenas alcanzan un punto máximo gracias precisamente a la, valga la redundancia, brutal interpretación de este actor. Llegas a ver la encarnación del mal en él. Mitica esa escena en la que camina en la noche llevando solo unos calzoncillos y los negros tatuajes...  Poderoso. Terrorifica, a la vez que artística imagen que nos encanta. 

Pero su fuerte, el de Norton, es la capacidad que tiene para que  veamos en él el lado más despiadado del ser humano y que, con el tiempo, con el buen uso de las palabras, de la comunicación, de la razón y del propio pensamiento, nos presenta el lado más amable, cariñoso. Un Derek arrepentido y devuelto a la realidad tras vivir un periodo en la sin razon del odio, nos conmueve. Nos atrapa y hasta nos hace sentir pena por el que, momentos antes, no había sido más que un despreciable asesino.

No le voy a dejar todo el mérito interpretativo a Norton. Hay algunos secundarios que no se quedan cortos. Pongo de ejemplo a Ethan Suplee que interpreta a Seth, el amigo de Derek, ese al que todos conocemos por "el gordo odioso". Y es que es así, llegas a odiarlo profundamente, con toda tu alma. Muy bueno.  Y que decir de Guy Torry, el chico negro compañero de Derek en la carcel. Adorable. Nos hace reir, pero es el que más nos ayuda a ver la realidad. No me puedo dejar atrás a Furlong, excelente papel, y excelente interpretación. Todo el reparto está en una muy buena situación interpretativa de cada uno de sus personajes, pero hay que reconocer que algunos brillan más que otros.

Por supuesto el guión es de los que dejan huella. Como ya he comentado antes, a todos nos ha abierto los ojos a un mundo de reflexiones. Tras ver la película, y no importa que hiciera poco que la hubieras visto. Las conversaciones sobre como llega a ocurrir lo que ocurre se suceden y pasan al terreno de la realidad que nos rodea. Un duro final, que nos golpea como una fría barra de hierro y que nos descoloca del "happy ending" que todo el mundo querría esperar, pero que poco a poco entiendes que va a pasar, sin terminar de creerlo. No hay finales felices cuando el odio nos maneja a su antojo y aquí queda más que bien reflejado con una frase que se ha convertido casi en eslogan del film: " el odio es un lastre..." y lo es incluso más allá de cuando creemos haberlo superado.

Me cuesta mucho resumir cuales son los elementos que hacen de esta película algo tan grande. Es difícil comentar algo tan bueno, y hacer de dicho comentario algo bueno. No creo que pueda hacerlo, pero al menos lo intento. Este film está en mi top 10 de favoritas, y quería hacer un buen comentario, no creo que este a la altura, pero se que los que lo leáis no me odiareis por ello, y creo que hasta me entenderéis, cuan difícil es a veces homenajear a una obra maestra del cine que nos ha enseñado a que el odio y su sin razón jamás no llevaran a buen puerto en el viaje de nuestras vidas

'CISNE NEGRO' LA METAMORFOSIS PSICOLOGICA

'Black Swan' 2010
Director: Darren Aronofsky
Reparto: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey, Winona Ryder...

"Rara". "Desconcertante". "Extraña". "Horrorizante". "Atractiva"... Creo que son muchos los calificativos que se le pueden dar a "Cisne Negro" pero personalmente creo que ninguno la define tan bien como la voragine de sentimientos y emociones que despierta en el espectador.

Para mi esta pelicula es un conjunto perfecto de elementos que me fascinan. Primero, la "originalidad" de guion, que a pesar de que sea una historia conocida, o incluso nos transporta a peliculas como "Eva al desnudo". La ausencia de artificio en los decorados, para dar mayor protagonismo a la actuacion, nada distrae la atencion sobre el elenco actoral. El uso mas que justificado de efectos digitales para que el espectador participe de la paranoia de la protagonista. La magnifica puesta en escena. El retato de un mundo, para mi tan fascinante como es el del ballet clasico. Una banda sonora que por si sola ocupa un papel protagonista en la pelicula, y por supuesto, un derroche desmesurado de talent para la interpretacion encarnado en la figura de Natalie Portman. Y unos movimentos de camara que combinan en una perfecta coreografia con todo lo anterior.

Nina (Natalie Portman), es una de lass bailarina de una compañía de ballet de Nueva York, que vive completamente absorbida por la danza. Vive con una controladora madre (Barbara Hershey), bailarina tambien en su juventud, que la presiona para alcanzar una perfeccion que parece muy lejana, cuando se compara con su compañera y rival Lily (Mila Kunis) sumado a las exigencias del severo director (Vincent Cassel) su presion se ira incrementando a medida que se acerca el dia del estreno. Esta tension provoca en Nina un agotamiento nervioso y una confusión mental que la incapacitan para distinguir entre realidad y ficción.

Aranofsky nos ofrece una historia, que aunque pueda resulta en apariencia simple o incluso anecdotica, es una historia que te atrapa, te roba cada Segundo atencion para no perder ni un minimo de detalle de lo que ocurre en la pantalla. Un uso de la cinematografia que va mas alla de lo correcto, para introducirnos en la psique de la protagonista. Ver y sentir igual que ella. Un desconcierto que evoluciona hacia un desbordante y placentero climax, que se apoya en un magistral uso de la camara de mano, y el uso de movimientos de camara que explican por si solos los estados de animo de cada personaje. Espectaculares son esos movimientos de camara especialmente en las escenas de baile, rodadas en su mayoria en una sola toma, y que funcinan de una manera maravillosa en conjunto con la historia.

Recurrir a escenas con una iluminacion atenuada, y en ocasiones muy oscuras acentuan mas aun esa carga psicologica que envuelve a este film de inicio a fin. Una ambientacion perfecta para introducirnos con mayor facilidad en la mente de Nina.

Pero como he mencionado antes, una de las cosas que mejor funcionan en este film es la sobrecogedora interpretacion de Natalie Portman, en el que creo es hasta ahora su mejor papel con amplia diferencia. El tremendo esfuerzo, no solo fisico, imagino que tanbien psiquico, que tuvo que hacer para interpretar a esta inestale bailarina en busca de la perfeccion, se vio recompesando con un merecidisimo Oscar a mejor actriz. Y es que en su interpretacion, Portman roza la perfeccion, si no es que la consigue. No necesita decir nada, no importa que sus frases sean cortas o extensas. Su mirada, sus gestos, el movimiento de su cuerpo en cada segundo que aparece en pantalla se llena de puro talento y credibilidad. Aunque siendo justos, el trio que la acompaña no se quedan atras en cuanto a fuerza interpretative se dice. Mila Kunis, formidable. Vincent Cassel, sublime, arrollador. Y Barbara Hershey desbordante, sublime, perfecta.

El film es un grandioso retrato de un mundo que para el comun de los mortales nos es deconocido. El de la danza, el ballet. Un mundo que requiere un constante esfuerzo, un sacrificio personal extremo. Un mundo con una infinidad de presiones que resultan desconocidas para aquellos que solo lo vemos sentados desde una confortable butaca. Una pelicula que al igual que la danza, se convierte en una memorable y apasionada obra de arte que practicamente se siente con los cinco sentidos. Y ademas una pelicula que nos ofrece una vision difirente de uno de los ballets mas importante y conocidos del mundo como es "El lago de los Cisnes" y que nos permite asistir a esa metamorfosis de la princesa cisne, junto con la sorprendente y emotiva metamorfosis psicologica sufrida por la protagonista.

'LA DECISION DE SOPHIE' UNA DURA PRUEBA EN LA VIDA

'Sophie's Choice' 1982
Director: Alan J. Pakula
Reparto: Meryl Streep, Kevin Kline, Peter MacNicol,

Queridos lectores, antes de nada he de pediros disculpas por la ausencia de tildes que provocan mas de una falta de ortografia, pero escribo desde un teclado anglosajon y estos de tildes no entienden. Dicho esto, sigo con mi breve comentario

La pelicula que comento hoy es 'La decision de Sophie'. Dura historia que viene suavizada eso si con algun toque simpatico y divertido. Es una de esas peliculas que jamas me canso de ver a pesar de la carga dramatica. Aunque si leeis el argumento en cualquier parte os ofrecera la tipica idea del alocado trio amoroso, la historia va mucho mas alla de semejante simpleza. La sombra de la Segunda Guerra Mundial, y el Holocausto judio en Alemania, sobrevuelan esta dramatica relacion. Mas aun cuando una de sus protagonistas es precisamente una superviviente de dicho episodio de la historia del sigloXX.

La Decision de Sophie es la adaptacion al cine de la novela de mismo titulo de William Styron. Stingo (Peter MacNicol) es un joven escritor que llega a la ciudad de Nueva York dispuesto a escribir una novela. Instalado en un bohemia apartamento, su tranquilidad se vera turbada por una discola pareja con la que finalmente entablara una maravillosa amistad. Sin embargo, el joven Stingo queda totalmente maravillado por la bella Sophie (Meryl Streep), una joven polaca y catolica, que milagrosamente sobrevivio al infierno Nazi, episodio de su vida que la marca y atormenta constatemente. Pero Nathan (Kevin Kline) sera su ferreo punto de apoyo, un alocado y encantador cientifico, del cual esta perdidamente enamorada.

Como ya he dicho la carga dramatica de esta historia es maxima, aunque afortunadamente siempre hay momentos para sonreir, sin exceso, pero magistralmente introducidos en el relato. La historia engancha de principio a fin, aunque tal vez de recalcar que la ultima hora quiza sea la mas importante, y la que atrapa al espectador con gran fuerza. Sin duda es la historia quiza la que mas "enganche" pero para mi personalmente, si no fuera por la sublime interpretacion de Meryl Streep, este pelicula no seria lo mismo.

Volviendo a la historia en si, que ya sabemos es un tema bastante recurrente en el cine, y hasta se podria decir que a veces tratado en exceso; en este caso para nada acaba teniendo esa idea. El film no esta tratando de ofrecer otra vision mas de la superviviencia al Holocausto. Una historia mas entre las muchas que hay parecidas, No, esta pelicula no hace eso. Es la narracion de un recuerdo, una dolorosa y terrible experiencia con la que su protagonista debe seguir viviendo muy a su pesar. Un recuerdo que, a diferencia de lo que pueda aparentar, vive en ella, dominandola y manejando su vida a su angustioso antojo. Al igual que Stingo, el espectador se convierte en impavido testigo del horror que Sophie arrastra.

J. Pakula hizo en su momento uno de los mejores trabajos cinematograficos que hasta la fecha se habia hehco en cuanto a peliculas sobre el nazismo, y por supuesto lo hizo de manera formidable y extraordinaria, convirtiendo este filme en un referente para otros posteriores. Ya que es pionera en presenter el drama personal como hilo conductor del argumento. Recurriendo a flashbacks, dicha narracion se hace mucho mas fluida y emotiva que si su hubiera realizado con un desarrollo mas clasico.

El trio protagonista nos ofrece ademas unas interpretaciones fuera de serie, pero por encima de todos destaca la gran dama de la interpretacion actual, Meryl Streep. Sobervia, enorme, arrebatadora, formidable, magistral... Viendola, y oyendola, llegas a creer que realmente es polaca, que realmente es Sophie quien esta frente a la camara contando su historia, y no cuanlquier otra mujer pretendiendo ser ella. La veracidad y fotaleza de su interpretacion son insuperables. No es de extrañar que recibiera un Oscar por tan magnifica actuacion.

En cuanto a otros aspectos tecnicos destacables, para mi gusto: una buena fotografia, reforzada por una iluminacion suavemente contrastada, y por momentos endurecida para potenciar la carga dramatica. En ciertos momentos la escenografia parece recrear un viejo escenario teatral, pero la ambientacion es bastante Buena, lo suficiente como pensar en un historia que se acerca mucho a la realidad, con lo cual aumenta mas si cabe.

En definitiva una buena pelicula, de la que se puede disfrutar de grandes interpretaciones, de un magnifico ejercicio cinematografico, y que a la vez nos llega sensibilizar ante cuan duro y enfermizo puede ser el ser humano. Lo infinito de su maldad, y lo pequeños e insignificante que nos podemos volver ante miedo cuando nos pone frente una dura prueba en la vida.

'EL INTERCAMBIO' UNA DURA E INCOMPRENSIBLE HISTORIA REAL

'Changeling' 2008
Director: Clint Eastwood
Reparto: Angelina Jolie, John Malkovich, Jeffrey Donovan, Colm Feroe, Amy Ryan Gattlin Griffith, Michael Kelly, Jason Butler Harner, Devon Conti...

Una vez más, antes de comenzar con el correspondiente comentario sobre esta magnifica película he de pediros disculpas a los que sois o erais mis lectores habituales. Últimamente he estado bastante ocupada y a eso añadimos un ordenador que no funciona, pues lo de escribir en el blog se complica, ya que los que tengo a la mano son ingleses... Eso si, mi afición por el cine sigue siendo la misma, y hoy os traigo una película que tuve ocasion de disfrutar en el cine y varias veces más en casa. Ahora me siento orgullosa de decir que me he hecho con una copia en DVD aquí en Inglaterra y he disfrutado aún más de la peli al verla en ingles.

Esta desgarradora historia que desgraciadamente está basada en hechos reales no deja indiferente a nadie. Una vez más el señor Eastwood nos toca la fibra sensible de una formidable manera que sólo él parece conocer. Si bien tengo que decir que después de buscar algo de información sobre el caso en concreto que ocupa el argumento de este film es mucho más repugnante y doloroso en la realidad que de lo que está presentado en la película. Y os aseguro, para los que no habéis visto este film, que en la película ya es bastante horroroso.

Christine Collins (Angelina Jolie) es una madre soltera cuyo hijo de 9 años desaparece sin dejar rastro alguno en Los Ángeles en 1928. Meses después de la extraña desaparición, la policía le comunica que han encontrado a su hijo, pero cuando se encuentra con el muchacho dice que ese no es su hijo. Frente a un batallón de periodistas y tras una tensa charla con la policía, que afirma que debido a la confusión y al shock no lo ha reconocido en el primer momento. A pesar de todo, Christine se lleva al chico a casa. No obstante, la convicción de Christine de que ese no es su hijo se acentúa y sigue exigiendo a la policía que busque a su verdadero hijo. Tachada de loca, encuentra un apoyo fundamental en el reverendo Briegleb (John Malkovich) que estará a su lado en la incansable lucha.

No se si la intención de Eastwood era la de hacer que el espectador se involucre emocionalmente con la historia, pero desde luego confirmo que eso ocurre. Ponerte en la piel del personaje interpretado, con bastante acierto por Jolie, es prácticamente algo que ocurre desde el primer segundo que el chico desaparece. Su angustia, su impotencia y su desesperación se convierten en la del espectador.

La historia está magistralmente presentada por el genio Eastwood. Es un desarrollo serio, formal, sin enfatizar con absurdos e innecesarios elementos artificiales que poco podrían ayudar a la ya emotiva historia. No recurre a un exceso de drama, ya la historia en sí tiene suficiente. Aquí no solo vamos estar tocados por la dramática situación que vive la protagonista, sumamos el aspecto intrigante, en el que cada pequeño elemento tiene su razón de ser. Los personajes funcionan, y funcionan gracias a unas muy buenas interpretaciones, veraces, creíbles. Que despiertan todo tipo de emociones en el espectador en función de lo que toque en cada momento o más bien del personaje en sí.

Tengo que poner en un punto y a parte a Angelina Jolie, que si duda para mi, este fue el mejor papel de su carrera. Interpretación más que formidable, y que a mi me sorprendió gratamente -más aún después de verla en versión original- No se le puede reprochar nada, porque no hay nada reprochable en su interpretación. Papel que por cierto le valió el Oscar a mejor actriz en 2009.

Técnicamente la película está a la altura de lo que se espera de un gran film. La ambientación, excelente. Los usos de luces y sombras en alto contraste enfatizan la carga dramática, pero sin maquillarla en exceso. Presenta la psicología de cada personaje y sus emociones en planos muy bien elegidos, en los que prácticamente desaparece la escena para quedar el personaje aislado en sus emociones. En cuanto a la banda sonora decir que es una autentica delicia, muy bien engranada en el desarrollo de toda la historia. Un guión formidable a pesar de la dureza del mismo, que no llega a arrancar las lagrimas del todo, pero que en todo momento sientes ese doloroso nudo en la garganta.

En definitiva dos horas y media de buen cine que se pasan volando, gracias sobre todo al excelente engranaje de todos y cada uno de los elementos que la componen. Desde el director, que ayudado por un grandioso guión moldea a unos personajes que cobran vida, para que el espectador reaccione ante la veracidad de lo que está viendo en la pantalla. Emociones que no se pueden evitar sentir cuando una película como esta firmada por un genio de la cinematografía y subtitulada con la dureza de un "basada en una historia real"

'MEMORIAS DE UNA GEISHA' EL CUENTO DE LA CENICIENTA CONVERTIDO EN ARTE JAPONÉS

'Memoirs of a Geisha' 2005

Director: Rob Marshall

Reparto: Zhang Ziyi, Ken Watanabe, Gong Li, Michelle Yeoh, Suzuka Ohgo, Cary-Hiroyuki Tagawa, Youki Kudoh...

Lo primero que tengo que decir es que estando esta película basada en una novela, no la leí, pero después de ver tan magnifica obra de arte en movimiento, me dio pena leer libro para evitarme posibles decepciones. Y es que esta película, para mi que soy gran amante del arte, es precisamente eso, una pieza artística hecha movimiento. 

Cierto que la historia pueda resulta ya típica, infinidad de versiones hay sobre el mítico de cuento de La Cenicienta. Desde los dibujos de Disney, hasta la conocida 'Pretty Woman' de Julia Roberts. 

'Memorias de una Geisha' podría pasar como un mix de todo eso, a lo que se suma también un poco de historia contemporánea.

Nos trasladamos al Japón de 1929, donde dos niñas son vendidas por su padre para trabajar en una casa de Geishas. La hermana mayor no es aceptada y es enviada a un próstibulo, mientras que Chiyo permanecerá con Nitta Okya para instruirse en las artes de las Geishas. Junto con Pumpkin recibirá tal instrucción mientras conviven con Hatsumomo una de las Geishas más populares de la Okya. La rivalidad de Hatsumomo con Mameha, y el encuentro de Chiyo con el que será el amor de su vida, cambiarán el destino de la pequeña Chiyo para siempre, con el deseo de convertirse en una importante Geisha para estar cerca de él.

Obviamente no hay muchas complejidades en la historia, pero si que una maravilla de historia de amor imposible. Surgirán multitud de dificultades, y obstáculos que harán que Chiyo tenga superarse día a día. Puede ser algo manido el tema, pero cuando se desarrolla con arte y elegancia, como es el caso, lo tipico queda a un lado, y nos atrapa gracias a un formidable trabajo técnico. La recreación de los espacios, que alcanzan por momentos lo mágico. Efectos visuales maravillosos que hipnotizan, y una fotografía de tal calidad que enamora. No te permites parpadear para no perder detalle de cada uno de los elementos que componen la imagen. La iluminación, adecuada a cada instante. Pasando de los tonos frios a los cálidos según la situación lo requiera. Magnifco trabajo el de peluquería y maquillaje, así como el de vestuario. Por momentos llegas a desear convertirte en Geisha también. Aunque suene extraño, a mi me pasó.

Combinado todo ello con la magnifica interpretación del conjunto principal de actrices, que hacen cada una en el suyo, un papel sorprendente, arrebatador, creíble. No importa que la actriz principal fuera china, quizá a los orientales, y en concreto a los japoneses les resultara deshonesto, pero a mi particularmente me pareció que la chica hizo un trabajo excepcional, formidable, y merecedor de grandes elogios. No hay que olvidar que la película no es un documental sobre las Geishas, es simplemente una película. Una historia de amor. Una historia de rivalidades. Una historia de mujeres que querrían controlar sus propias vidas, a pesar de estar bajo el yugo de una sucia e incompresible esclavitud, y que a pesar de todo, eran poderosas.

La dirección de Rob Marshall excelente. Visiones muy espectaculares, una fantástica combinación con la música creada por el siempre genial John Williams. Que crea una banda sonora para la historia. Piezas musicales que son obras de arte en sí mismas también, y que junto con la fuerza de las imágenes no hacen más que reforzar ese concepto artístico de esta bella película.

Por supuesto, aunque creo que ya ha quedado bastante claro, he decir que el guión es magnifico. Repito, puede que se recurra a muchos arquetipos ya conocidos y reiterados, pero aún así pienso que es un guión muy bien elaborado y que trata a la cultura japonesa con bastante respeto, a pesar del efectismo que en ocasiones se deja ver.

A estas alturas, ya muchos habréis visto la película. Muchas veces ya la han emitido en televisión. Conozco a poca gente que cuando he mencionado esta película no haya dicho algo como "oh! muy buena", "me gusto mucho", "una película preciosa", etc. Pero sé que hay bastante gente que ha hecho muy mala critica de este film, y humildemente pienso que se equivocan. Creo que esta hecha con mucho cariño, respeto, y muy pensado y trabajado todo. Hay un esfuerzo enorme, no solo por parte del equipo técnico, sino también del elenco de actores. Muchos de ellos jamás habían hablado ingles, e incluso alguno interpretó sin saber exactamente que decía. Pero aun así, todas las interpretaciones son veraces, creíbles, formidables.

Como he dicho antes una obra de arte en movimiento.

'EL PADRINO' LA OBRA MAESTRA

'The Godfather' 1972
Director: Francis Ford Coppola
Reparto: Marlon Brando, Al Pacino, Robert Duvall, James Caan, Diane Keaton, John Cazale...

Si me pongo a pensar en que decir o comentar sobre esta película me asaltan las dudas. No encuentro las palabras adecuadas para hacer un articulo digno de tal obras maestra de Francis Ford Coppola y de la historia del cine en general, pero sea como sea, intentaré ofrecer la mejor visión que tengo de esta formidable película.

El efecto que esta película crea sobre mí es indescriptible. No puedo ni pestañear cuando la vea, siento que si lo hago perderé detalles de suma importancia, por pequeño que sea -y a pesar de que he perdido la cuenta del número de veces que la he visto-  Hay quien dice que esta película esta sobrevalorada, pues sinceramente, pienso que quien lo diga, no ha sabido disfrutarla. Hablan de esa larga secuencia de la boda, como algo demasiado extenso, pero no hay que olvidar que esa secuencia en sí es la presentación, bien detallada, de cada uno de los personajes que intervienen en el film. Fabulosa secuencia.

'El Padrino' nos lleva al Nueva York de los años 40, donde las Don Vitto Corleone (Marlon Brandon) es el temido y a la vez respetado, jefe de las cinco familias de la mafia neoyorkinas. Tiene cuatro hijos, Connie (Talia Shire), Sonny (James Caan), Freddie (John Cazale) y Michael (Al Pacino) que no quiere saber nada de los turbios negocios de su padre. Don Vitto tiene como mano derecha y leal consejero a Tom Hagen (Robert Duvall) que le apoyará fielmente cuando se niega a participar en negocios de drogas, cosa que pretende uno de los jefes de otra familia. Ante la negativa, se ordena el asesinato del Don y será entonces cuando comienza una cruenta y violenta guerra entre las familias mafiosas.

El film se inicia con una escena que ha pasado a la historia, un amigo de la familia viene a pedir un violento favor a Don Vito Corleone el dia de la boda de su hija...(ya sabéis a que me refiero) tanto por el dialogo, como por el encuadre, la misma puesta en escena de actores y espacio escénico, la iluminación... El conjunto en sí es una pieza artística única, irrepetible, original y que ha sido copiada y homenajeada miles de veces. Un Marlon Brando brillante, soberbio, en una, por no decir la mejor interpretación de su carrera. Consiguió humanizar al villano, que lo admirásemos, e  incluso en alguna ocasión lo imitásemos. Merecido ganador del premio Oscar al mejor actor por este personaje.

Escenas clave, o de las que han pasado a la historia hay un sin fin en esta película, la del tiroteo en el restaurante, la del caballo, la de una paliza a un maltratador... No quiero dar muchas pistas por si alguien que lee esta entrada no ha visto aún la película -deberíais verla ya si es así- pero los que si la hayan visto saben perfectamente a que escenas me refiero.

Una de las cosas que me fascina sobremanera de este film es la iluminación. Está perfectamente estudiada, la carga dramática se enfatiza con unos duros contrastes de luces y sombras, lo cual hace sentir cierta tensión que se puede poner en paralelo a la tensión que sufren los personajes en esos instantes. Una magnifica fotografía termina de apoyar dichas sensaciones, y además otorga mayor calidad si cabe al film. Una banda sonora compuesta por Nino Rota que se graba en la memoria, hipnotiza, te atrapa de tal manera que te hace bailar con los personajes, enlazarte con ellos, simpatizar con ellos. Personajes que cobran vida, los sientes como si fueran reales. Interpretaciones soberbias, naturales, veraces de grandes actores. Si Brando esta magistral, ¿qué decir de Al Pacino? Impresionante su interpretación. No estas viendo a Pacino interpretando a Michael Corleone, ves al Michael Corleone, el actor deja de existir, pare ver a un hijo que hace lo que tiene que hacer. No se entiende que haga otra cosa. Impresionante. No logro encontrar las palabras en mi cabeza para hacer justicia a tremenda actuación.

Por supuesto el resto del reparto sigue la misma linea, James Caan, excelente.  Robert Duvall, sublime. Diane Keaton formidable. Incluso Talia Shire borda su personaje... Nadie deja de lado a su personaje, si no que hacen que cobren vida. Un reparto sin lugar a dudas brillante.

Violencia, diálogos perfectamente bien construidos, con frases lapidarias, de las que marcan la historia de como hacer buenos guiones de cine. Movimientos de cámara, planos, escenas y secuencias que se graban a fuego en la memoria. Interpretaciones que marcan la vida de actores -y cinefilos- Una musica que embriaga, que no puedes evitar tararear en cualquier momento del dia en que te viene a la memoria. Se convierte en una especie de irrefrenable adicción dificil de dejar. En conclusión un film que a mi, me ha marcado como amante del cine, no entendería la historia del cine sin esta obra maestra del señor Francis Ford Coppola

'SIN LIMITES' LA PASTILLA QUE TODO LO PUEDE

'Limitless' 2011
Director: Niel Burguer
Reparto: Bradley Cooper, Abbie Cornish, Robert De Niro, Anna Friel, Andrew Howard, Johnny Whitworth...

Para los que buscan entretenimiento sin limites, y disfrutar de una película con una buena historia y de ritmo constante, sin lugar a dudas tienen que ver 'Sin Limites'. Una vez más tengo que reconocer que si la vi fue por el gancho de estar Robert De Niro en el reparto. Pero la película es mucho más. Para mi gran película, de las de "peliculón" creo que no le falta ni le sobra nada. Un guión completo y con bastante originalidad. Muy bien resuelto, una trama que atrapa de principio a fin. Cine muy satisfactorio.

El film nos narra la historia de Eddie Morra (Bradley Cooper) un escritor que ha perdido su inspiración creativa y casi ha entrado en crisis personal. Un dia se encuentra con un viejo amigo que le ofrece una nueva droga que le activa, a un nivel inimaginable, sus facultades mentales. La píldora hace que todas las neuronas de su cerebro trabajen, de tal manera que rápidamente, y llevado por la ambición encuentra el éxito en el difícil mundo de las finanzas. Tal éxito despierta una gran curiosidad en un poderoso ejecutivo de Wall Street, Carl Van Loon (Robert De Niro) que desea descubrir el origen de tal proeza...

El film cuenta con un guión redondo. Perfecto para mi gusto. Entretenido y emocionante. Intrigante en algunos momentos. En mi opinión como he dicho antes ni sobra ni falta nada. Todo en su justa medida. El ritmo no decae, y mantiene la atención del espectador bien activa. La tensión algunos momentos esta magistralmente reforzada con los cambios de luces, y los distintos movimientos de cámara y planos.
Mantiene también una narración concisa y clara, por lo que es imposible perderse en el argumento. Y a pesar de lo surrealista de la historia, se cuenta con bastante lógica.

Una fotografía que es una delicia. Muy ajustada a la acostumbrada forma de ver la ciudad de Nueva York, con un aire ligeramente frío en la iluminación, que no hace más enfatizar ese ambiente tenso en el que se mueve el protagonista. Y que contrasta magistralmente con la saturada iluminación de los planos surrealista que explican los efectos de la droga. Genial.

La interpretación de Bradley Cooper es sobresaliente. Creíble, a la altura del maestro De Niro que le da la replica. Roba todas sus escena, se apodera de la pantalla con gran carisma, que no hace otra cosa que acentuar, aún más si cabe su atractivo. Y por supuesto, no se viene abajo cuando De Niro comparte escena con él. Muy bien por el viejo Robert, que aunque sus apariciones son cortas, son formidables.

En conclusión, porque ya poco me queda que decir, os invito a verla a quienes no lo hayáis hecho. La historia ofrece originalidad, cosa con la que contamos poco últimamente, pero gracias a películas como esta no debemos perder la esperanza. Una dirección formidable, y sobre todo cine para entretener, para evadir de esta dura realidad que a veces parece estar fluyendo en nuestras vidas sin limites...

'MEMORIAS DE ÁFRICA' RECUERDO IMPOSIBLE DE BORRAR

'Out of Africa' 1985
Director: Sydney Pollack
Reparto: Robert Redford, Meryl Streep, Klaus Maria Brandauer, Michael Kitchen, Malick Bowens...

"Yo tenia una casa en África, al pie de las colinas del Ngong" Es la frase con la que comienza esta maravilla romántica. Sí, es una de esas películas de romances, que casi se pueden catalogar de bucólicas o idílicas o el adjetivo azucarado que queráis darle, pero aquellos que la hayáis visto o incluso los que la veáis por primera vez ahora picados por la curiosidad, estaréis de acuerdo conmigo en que a pesar de lo edulcorado del romance, es un film del que es fácil caer enamorado. No sólo por la historia en si y sus personajes, sino también por los fantásticos paisajes y una banda sonora de ensueño; de esas que quisiéramos convertir en la banda sonora de nuestro propio romance real.

La historia se basa (libremente) en las memorias autobiográficas de Isak Dinese, pseudonimo de la baronesa Karen von Blixen-Finecke que desde 1914 a 1931 vivió en Kenya  años dorados del colonialismo británico en la zona y que publicaría su obra finalmente en 1937.

Karen (Meryl Streep) se traslada junto a su marido, el Barón Blixen (Brandauer) un mujeriego empedernido, a Kenya, donde van a dirigir una plantación. Pronto Karen se dejará llevar por un apasionado amor hacia tierras africanas y su gente. Pero también surgirá en ella un desenfrenado amor hacia Denys Finch-Hatton (Robert Redford) un romántico aventurero que ama la libertad por encima de todas las cosas.

Muchos la han calificado de "obra maestra" y sin lugar a dudas le doy la razón a esos "muchos". Otros por su parte la criticaron duramente por su carácter "excesivamente edulcorado" y "blando". Puede ser, pero es lo que tiene que parte de la historia sea un romance... En cualquier caso este film es, cinematográficamente hablando, un acierto tras otro. Y lo avalan los siete premios Oscar que logró llevarse, entre ellos el de mejor película, mejor director y mejor guión adaptado (ahí es nada)

En primer lugar por la elección de los actores principales. Sin ellos dudo mucho que esta película hubiera alcanzado la categoría que alcanza para la historia del cine. Soberbia Meryl Streep, que aprendió el acento danés para lograr una mimesis total con su personaje -hay que verla en versión original para conocer y comprobar fantástico el trabajo que tuvo que hacer esta gran maestra de la interpretación- La replica se la da un Robert Redford que como siempre borda el papel de galán.

Por otro lado destaca la cuidad fotografía de David Watkin, imágenes llenas de luz que nos dejan admirar unos paisajes en los que llegas a desear estar pisando en esos momentos. Unos contraluces perfectamente bien elegidos, creando escenas de lo más artísticas. Y en general un álbum inédito de imágenes que han sido referente para otros muchos directores de fotografía a lo largo de los años.

Si las actuaciones fueron memorables y la fotografía mágica, la banda sonora fue la guinda de este magnifico y sabroso pastel. Siendo el ingrediente esencial para enamorarnos perdidamente (o al menos así me paso a mi) de esta película. Notas que envuelven a los sentidos, transportándonos  sin necesidad de ver la película a aquella Kenya en la que Denys pilota la avioneta sobre un banco de flamencos que asustados inician el vuelo. O ese intimo y símbolico momento en que él le lava el pelo a Karen...  Notas mágicas, idilicas, imborrables de la memoria y fácilmente reconocibles allá donde las escuchas.

Pero a pesar de lo idílico o épico que pueda parecer, hay que resaltar como se desarrolla el personaje femenino, sobre todo su lado emocional a través de sus pensamientos, sus relaciones y sus impresiones de la  cultura que tiene que conocer.

En definitiva, 'Memorias de África' es una obra maestra, de esas que yo considero imprescindibles. Una bella historia que emociona al espectador, cargada de una magia hermosa que nos inunda gracias a una perfecta combinación de notas musicales e imágenes en movimiento que hacen de este film un recuerdo imposible de borrar de nuestra memoria.

'JACKIE BROWN' LA BLAXPLOITATION DE TARANTINO

'Jackie Brown' 1997
Director: Quentin Tarantino
Reparto: Pam Grier, Samuel L. Jackson, Robert De Niro, Robert Forster, Bridget Fonda, Michael Keaton...

Ante todo tengo que recalcar que no soy fan de Tarantino ni mucho menos, pero este de este film SÍ, y mucho. Primero por el reparto, porque sin lugar a dudas Tarantino sabe escoger bien a los interpretes, no le voy a quitar ese merito; y segundo por su manera de contar la historia, que aunque sea Tarantino quién lo hace, lo hace de un modo diferente a sus títulos anteriores (Reservoir Dogs y Pulp Fiction) Le imprime un ritmo más lento, posiblemente aburrido si comparamos, pero que a mi personalmente me gusto mucho. Especialmente al final, donde creo que remata la película de manera magistral.

Me gusta, o más bien me fascina porque no es la típica película que cae en el cliché simple e "infumable" de esos thrillers recargados de acción que solo buscan hacer una buena taquilla... O a estas alturas ya, vender muchos DVD's, que la peli tiene ya unos añitos...

Jackie Brown (Pam Grier) es una azafata de vuelo que hace de correo para un mafioso de Los Angeles, Robbie (Samuel L. Jackson). En uno de sus "viajes" la policía la arresta en la aduana y la acusan de trafico de drogas y de evasión de capital. Para librarse de su ingreso en prisión la policía le propone un trato: que les ayude a atrapar a Robbie...

Así contado parece un argumento muy simple, y casi hace suponer que va a pasar... Eso es hasta que te sientas a ver la película y poco a poco van llegando personajes; las escenas se van prolongando, el ritmo parece ralentizarse y de pronto parece que todo ha dado un giro... Te vuelves a centrar y nuevo giro. Se abre una ventana hacia el más absoluto de los líos en este aparentemente sencillo argumento. Pues ahí es donde para mí radica el poder del film, en que en todo momento te mantiene las neuronas bien despiertas para enlazar toda la información que tienes.

El guión es admirable, porque la complejidad que adquieren los personajes es asombrosa. Destaco los personajes de Pam Grier y Robert Forster. La química que surge entre ellos es mágica y bien podrían ser dos de esos personajes sacados de las películas de los 70, sobre todo de aquellos films policiacos de la llamada "Blaxploitation" y a los que Tarantino hace homenaje en esta cinta, pero que en el tiempo en el que se encuentran estos personajes, parecen estar agotados por no haber conseguido nada especialmente significativo y que siguen con sus vidas con una resignación infinita.

Por supuesto, en el guión esta la marca de la casa de Tarantino con esos diálogos reflexivos y cargados de "tacos", especialmente en el personaje interpretado por Samuel L. Jackson. No falta la violencia tampoco, aunque si está algo más suavizada que los films anteriores.

Tengo que volver a citar el homenaje constante a esa "blaxploitation", no solo por el rescate de la mitica actriz de este genero Pam Grier, sino por otros muchos detalles. Los colores, el tipo de personajes, la manera de hablar y gesticular de estos. Como caminan, como se mueven en general. Los diálogos y la música o incluso el "tiempo" recuerdan mucho a esos films.

En cuanto a la actuación, ya destacado a Pam Grier y Robert Forster, que bordan sus papeles. Pero que de decir del genial Samuel L. Jackson, personaje e interpretación de fabula, grandioso... Impresionante ver a Robert De Niro hecho una autentica piltrafa, y como no, también borda su papel. No es que me entusiasme la actuación de Bridget Fonda, pero en este caso la doy por pasable. Eso sí, los demás se la comen en pantalla... Igual que le ocurre a Michael Keaton, no estuvo en su mejor momento (si es que lo ha tenido alguna vez) pero pasable.

El montaje final de este largometraje me fascina, planos y movimientos de cámara muy bien trabajados y correctos. Y me quedo con la escena de desenlace... impresionante; para mi, mítica. Para enmarcarla, me encanta.

Ni que decir tiene que la banda sonora es una de las que hacen historia y que por supuesto responde a los, siempre acertados, gustos musicales de Tarantino (y a los míos). Se trata de una larga recopilación de éxitos setenteros, entre los que se puede escuchar a Foxie Brown, The Supremes, The Brothers Johnson, Jermaine Jackson o The Temptations entre otros muchos y muy buenos todos.

En definitiva un film con un buen guión, de los de mantenerte bien despierto. Con un reparto excelente, una realización magistral y una banda sonora que te hace disfrutar de cada nota, de cada fotograma de esta deslumbrante Blaxploitation de Tarantino.

Un Consejo: os recomiendo ver la película en versión original para disfrutar en toda su plenitud de la excelente interpretación de Jackson, y sobre todo del acento con el habla su personaje Ordell Robbie...

'CASINO' NO ES OTRA PELICULA SOBRE LA MAFIA...

'Casino' 1995
Director: Martin Scorsese
Reparto: Robert De Niro, Joe Pesci, Sharon Stone, James Woods. Don Rickles, Alan King...

Si hay género que me gusta es sin duda el de las mafias, creo que ya lo he comentado en alguna entrada anterior. Y si además, el género en cuestión lo trata Martin Scorsese, que queréis que os diga, si él es el autentico maestro de este género.

No es otra película que trata sobre los asuntos de los mafiosos. Personalmente pienso que es el film que puede servir como referente para otros muchos que quieran dedicarse a realizar películas con esta temática, aunque tal y como lo cuente el señor Scorsese poco van a mejorar o a innovar. No solo por la historia, que en sí lleva mucho de realidad, sino por la forma de ser contada. A lo que sumamos el siempre excelente reparto con el que cuenta el maestro y, ya si que sí, hacen de este film algo irrepetible, e inigualable.

En los años 70 Sam "Ace" Rothstein (Robert De Niro) es un importante corredor de apuestas que está al cargo de uno de mayores casino-hotel de Las Vegas. Este casino pertenece a un grupo de mafiosos que controlan todo desde las sombras -y la distancia- La misión de Sam es asegurarse que el dinero que entra en el casino, se quede en el casino, para que el dinero fluya hacia las manos de sus jefes. Millonarios y políticos son los principales clientes, pero en la ciudad del pecado no faltan los "listillos" traficantes y todo tipo de criminales. Para ayudar a Sam, los jefes envían a un, no siempre comodo violento Nicky Santoro (Joe Pesci) cuya intención es quedarse en Las Vegas.

Lo que viene a narrar este film de una manera magistral, es el nacimiento de una ciudad, de una ciudad en la que la ley es pura teoría, y solo sirve la del más fuerte, la del más perspicaz, la del más poderoso y sobre todo, la ley del todopoderoso dólar.

Por supuesto la mafia, es gran protagonista, pero destaca especialmente, el protagonismo de la ciudad de Las Vegas en sí. Sus infinitas y famosas luces de neón, sus sonidos característicos de bolas saltando sobre las ruletas, las tragaperras, las cartas repartiéndose y las fichas chocando unas con otras en increíbles apuestas; y las palas... Sí, hay palas, con las que se cavan los extraoficiales hoyos del desierto de Nevada -es una película de mafiosos, no digo más-

La historia por supuesto gira en torno a la figura de Sam, el apostador profesional que llegó a ser director del casino. Un mago de las apuestas, que más que experto, es casi científico del tema. No solo apuesta por jugar, sino que es un modo de vida. Un modo de vida en el que también cabe el error y parece que viene de la mano del amor... Traicionero amor oculto en la figura de la bella Ginger (Sharon Stone) y que Scorsese usa para diseccionar drásticamente la complicada vida de aquellos que se sumergen en las mareas del juego.

No voy a decir que De Niro y Pesci están sublimes en sus papeles, creo que eso ya les viene solo con el nombre, y que una vez más en manos de Scorsese vuelven a brillar, una fuerza interpretativa única, arrolladora, impresionantes ambos. Tengo que destacar la actuación, más que extraordinaria de Sharon Stone,. Sí una vez más le toca el papel de la estereotipada mujer atractiva, la femme fatale, pero la carga dramática que acarrea su personaje la lleva la Stone con una dignidad y una profesionalidad indiscutibles. Desgarradora.
Destaco también el pequeño papel interpretado por la propia madre de Martin Scorsese, "la mamma",  que borda el papel en una escena cargada de comicidad.

Ni que decir tiene que me encantan y fascinan especialmente los movimientos de cámara, los planos, los ángulos, tan bien medidos y elegidos para finalizar en un montaje de los que crean escuela. Y que por supuesto no seria lo que es sin una fotografía que ajusta a la perfección la luminosidad de las imágenes con la estética dramática que deben reflejar. Fantástica. Todo ello envuelto una vez más por una banda sonora que marca época y que está totalmente elegida por Scorsese.

Tengo que hacer una llamada de atención sobre el vestuario, impresionante labor que llevaron a cabo, destaco los singulares trajes que lleva De Niro en todo el film, no dejan indiferentes a nadie. Destaca mucho la personalidad y carácter del personaje.

Definitivamente esta no es una película más sobre la mafia, es la visión personal y particular de un maestro. La visión de un autor único, que difícilmente se repite pero que gracias a su genial forma de narrarlo queda grabada en nuestra memoria para siempre.

'UN FRANCO, 14 PESETAS' DEDICADO A ELLOS. A TODOS ELLOS

'Un franco, 14 pesetas' 2006
Director: Carlos Iglesias
Reparto: Carlos Iglesias, Javier Gutiérrez, Nieve de Medina, Isabel Blanco, Iván Martín, Eloisa Vargas...

Con esas palabras, que ahora no recuerdo si al principio o al final del film aparecen, Carlos Iglesias alude a todos aquellos que debido al desarrollo industrial que España estaba experimentando, vieron como sus jefes los despedían, casi sin remordimientos y tuvieron que dejar atrás a sus familias y trasladarse a países de los que desconocían lengua, cultura y costumbres. Países como Suiza, como es el caso de esta película hecha homenaje, se convirtieron en país de adopción de estos hombres y mujeres que luchaban por mantener una vida digna para ellos y sus familias.

Tengo que decir que cuando leí por primera vez sobre esta película me imagine una especie de comedia tonta, rozando el absurdo con algún tipo descarado... Tengo que reconocer que me deje llevar por los prejuicios del famoso "Benito" de "Manos a la obra" y no di un duro por esta película, hasta que cuando salió en DVD mi padre se empeño en alquilarla y... Me dije: "¿ves? por bocas. No se puede prejuzgar" Me alegre mucho de verla y además confieso que me emocione.

Nos situamos en la España de los 60. El país empieza a desarrollarse en el terreno de la industria, introduciendo maquinaria "automatizada" en las que las empresas han hecho grandes inversiones económicas y para las que parte de la mano de obra humana ya no es necesaria, por lo que muchos obreros de esas fábricas son despedidos. Entre ellos Martin (Carlos Iglesias) que vive con su mujer Pilar (Nieve de Medina) y su hijo Pablo de 5 años en una pequeña portería que comparten con sus padres, encargados de dicha portería. Marcos (Javier Gutiérrez) amigo de Martin será quien le impulse a ir con a Suiza a buscar trabajo. Con el tiempo se unen a ellos la Pilar y Pablo. Para el niño supone multitud de cambios a su corta edad. Una vida cómoda y feliz les hará más difícil el irremediable regreso a España...

Siento que con el argumento he desvelado mucho del film, pero no, no penséis eso. Hay muchas cosas que descubrir en esta historia. Aunque no os voy a negar que es bastante predecible. Pero quizá lo que me lleva a recomendarla es la cantidad de emociones que experimentas viendo la película. Simpatizas con los personajes, descubres la cantidad de sentimientos que pueden aflorar poniéndote en la piel de ellos según las circunstancias. Hay ternura, emotividad, incluso critica a esa mentalidad tan nuestra, tan española del "como aquí en España, en ningún sitio".  Y es una pena, porque aún hoy esa mentalidad cerrada persiste.

El film retrata a la perfección la evolución del protagonista. En como va descubriendo y aceptando las novedades que el nuevo país le ofrece. Sientes como una inquietud constante; más bien pena por como Martín parece volver a aquello de lo huyo personificado en su mujer.

Te dejas arrastrar por la emotividad casi sin quererlo, por la veracidad con la que está contada. Por lo real de historia, por las sensaciones y experiencias que viven los protagonistas. Unas interpretaciones excelentes que te roban la atención de principio a fin. Sobre todo por ese toque "typical- spanish" que ofrecen en un entorno en el que no parecen encajar, pero si destacar.

Una fotografía correcta, para no robarle ni un ápice de belleza a los paisajes de la hermosa, pulcra y tranquila Suiza. Que contrasta con la empobrecida y deteriorada imagen del rincón de España del que salen nuestros protagonistas.

Un guión sencillo, bien estructurado. En el que no faltan algunos toques de sentido del humor, para suavizar tanta emoción.

Si aún no habéis visto esta película porque como yo os dejasteis llevar por los prejuicios, os recomiendo que enterréis esos prejuicios y la veais. Y para los que por otras circunstancias no la habéis visto, vedla. Para los que sí, os invito a comentar y a verla otra vez.
Y para cerrar os invito a todos a mantener la mente abierta. A pensar que no hay nada que pueda frenar vuestros sueños, sino vosotros mismos. Así que pensad en positivo, sed valientes e id allá donde el corazón os guie.